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Neapolitaner, Mittvierziger, Beruf & Berufung: Fotograf. Mit Ausstellungen in verschiedenen Ländern Europas und in Marokko, Veröffentlichungen in den wichtigsten Tageszeitungen Italiens sowie im Ausland. KUNOweb präsentiert mit Massimo Pastore zum ersten Mal einen Fotografen im Rahmen einer Einzelausstellung.

 Ein radikaler Künstler, der mit seinem Kunstverständnis Hand an die Wurzeln des Verhältnisses von Künstler und Werk und Publikum legt. Und es umkrempelt.  Eine Umgestaltung, die aus den Besuchern und Künstlern der Galleria PrimoPiano in Neapel das eigentliche Sujet eines Foto-Projekts macht. Sie aber anders vor die Kamera holt, nicht mehr nur als bloß aufzunehmende Individuen, die den Anweisungen des Fotografen Folge leisten. Sondern die selber aufgefordert sind, das Setting zu bestimmen, die räumliche Anordnung, die Auswahl der Utensilien sowie nach eigenem Gusto auch Gestik und Mimik, Positionierung und Körperhaltung. Eine Performance der Vor- und Darstellung des eigenen Selbst.

„As You Like It“ war der Titel der Veranstaltung und verwies damit auf die schon bei Shakespeare angelegte Vielzahl der Möglichkeiten hinsichtlich Inhalt und Form. Doch im Unterschied zum Ur-Text war dieses „Wie es Euch gefällt“ von Massimo Pastore nicht vorab geschrieben, sondern wurde von den Darstellern auf dem Set selbst als eigene, vorher nicht abgesprochene Inszenierung hervorgebracht. Sie sind ihre eigenen Regisseure im Rahmen der Projekt-Idee des Kurators und Fotografen, der nun am Ende auch tatsächlich die Arbeit des geistesverwandten Kameramanns macht und sich auf jede einzelne Szene immer neu einstellen muss. Kreative Komplizenschaft pur. Und für den Künstler gleichfalls eine philosophische und ästhetische Grundfrage, nämlich in der Fotografie „den Subjekt-Objekt-Status aus den Angeln zu heben“.

Inszenierung als künstlerisches Prinzip ist aus dem Schaffen von Massimo Pastore wie von vielen anderen seiner KollegInnen gar nicht wegzudenken und nimmt bei ihm einen zentralen Platz unter den fotografischen Praktiken ein. Wie bei der US-Amerikanerin Cindy Sherman Selbstinszenierung und historisches Rollenspiel das Markenzeichen schlechthin sind. Aber jeder gute Fotograf kann auch anders und findet, was er sucht, auf den Straßen Neapels ebenso wie im pakistanischen Flüchtlingslager: Die Eindringlichkeit des Blicks seines „Afghan Girl“ (1985) von Steve McCurry ist weltberühmt geworden. Gerade dieses Bild ist ein guter Beweis auch dafür, dass Farbfotos nicht nur immer Oberflächen-Ästhetik – „alles so schön bunt hier“ (Nina Hagen, 1978) – liefern und allein Schwarzweiß auf Tiefe und Bedeutung abheben kann.

Obgleich nicht zu leugnen ist, dass das Abstrahieren von der realen farbigen Außenwelt durch die Reduktion auf die Extremwerte der Farbskala einer solchen Schwarzweiß-Aufnahme geradezu spontan eine besondere Bedeutung und eine gewisse Aura verleihen. Zumal wenn sie noch in einem musealen Kontext gezeigt wird.

 Das „Triptychon in Weiß“ aus dem Zyklus „Landschaften der Kälte“ (hier unten) spielt  mit dem dialektischen Dreischritt von Inhalt und Form. Deutliche sakrale Anklänge:  an Bilder der Erscheinung der Jungfrau Maria, die links wundersam über eine Winterlandschaft dahinschwebt. Ein präziserer Blick aber entdeckt: Wenn überhaupt, dann ist es eine sehr säkulare, moderne Madonna, mit wehendem Haar, einem neckischen Lächeln ins Publikum, nicht mit der Ernsthaftigkeit der Sixtinischen Madonna und nur leicht verhüllt, zu leicht für die Jahreszeit. Von ihrem weißen Gewand

verschluckt, tritt die Frauenfigur im Mittelteil nicht mehr auf. Von ihr bleibt nur noch eine Stoffwolke. Um schließlich links wieder in Erscheinung zu treten, nach der Landung barfuß im Schnee. Unter dem transparenten Gewebe zeichnet sich ihr nackter Körper deutlich ab.

Eine wunderliche Erzählung, die aber bestens zu dem Madonnen-Kult Neapels und der ausgeprägten Wundergläubigkeit des Südens passt und sich doch zugleich wieder davon absetzt. Denn hier wird nichts mystifiziert, sondern ganz offen ein Märchen – vom Mädchen im Winterland – erzählt, eine Utopie skizziert vor dem Hintergrund eines kreatürlichen Unbehaustseins des Menschen in unwirtlicher Landschaft, worauf in diesem Zyklus von Arbeiten immer wieder zurückgegriffen wird.

Ganz offenkundig ist im Mittelteil des „Triptychons der Auferstehung“ (hier oben) der Verweis auf die Sakralmalerei der Renaissance. Einmal auf „Die Beweinung Christi“  von Andrea Mantegna (um 1480) mit klar vergleichbarer Perspektivansicht. Aber Pastore präsentiert hier nicht den toten Gottessohn, sondern portraitiert seinen eigenen entblößten Körper und spielt damit zugleich an auf die „Auferstehung des Fleisches“ von Luca Signorelli (1499/1502) mit ihren zahlreichen nackten Figuren. Der neapolitanische Künstler löst in seinem Triptychon Begriff und Bildlichkeit von der Auferstehung und ihrer Vergeistlichung aus dem christlich-religiösen Zusammenhang und setzt ein Zeichen für die Auferstehung des Menschen in seiner ganzen Körperlichkeit und Fleischlichkeit. So sehr die krude Nacktheit auch ins Zentrum des dreiteiligen Bildes gerückt ist, als Antithese zur Totalverhüllung und damit Unkenntlichmachung jeglicher Identität auf der linken Seite ist sie doch zugleich auch ein Übergang hin auf etwas Neues, das sich rechterhand als eine Art der Synthese anbietet und in aller Unschärfe eine Bewegung, einen Aufbruch andeutet, dessen Wohin noch im Unklaren bleibt. Für den Künstler, der sich zum Buddhismus bekennt, komme darin eine Weltsicht zum Ausdruck, "der zufolge Tod und Leben unzertrennlich Teil ein- und desselben Szenarios sind."

Wenn Massimo Pastore natürlich auch sehr gut farbig kann, Kultur im Norden – KUNO e.V. zeigt ihn in dieser Online-Ausstellung ausschließlich mit schwarzweißen Arbeiten. Und als fotobildnerischen Erzähler, der er nun mal ist. Ob er dabei einem vorgefassten Plan folgt (wie bei  "As You Like It" u.a.) oder sich der Spontaneität anheimgibt („T(H)RU(E) NAPLES“) und zufällig findet, was er sucht – dank, wie er berichtet, der digitalen Revolution und seines Handys, das ihm statt der professionellen Kamera wie Milliarden anderen als Ad-hoc-Fotoapparat dient und gestattet, sich dem Fluss der Bilder ungezwungen hinzugeben und locker mal hier, mal dort etwas einzufangen.

Wovon aber erzählt dieser Fotograf? Vom „Sicht- wie Unsichtbaren“, antwortet er. Wir haben aus seinen acht großen Bilderzyklen rund zwei Dutzend Fotografien für unsere Ausstellung ausgesucht und davon dann die zwei Triptychen, anhand derer wir die angegebene Spur verfolgt haben.

 Es verwundert nicht, wenn Massimo Pastore, befragt nach ihm nahestehenden Kolleginnen und Kollegen, auf Nan Goldin hinweist und auf ihre schonungslose Unmittelbarkeit sich selbst und der Welt von Sex, Drogen und Gewalt gegenüber. Dann auch auf Antoine d´Agata und seine Bilder chaotischer Wirklichkeiten und zersplitterter Visionen, dargeboten mittels das Medium der Fotografie entgrenzender Techniken. Gerade hierin hat sich als bahnbrechender Meister erwiesen der, dem sich der neapolitanische Fotograf am meisten verpflichtet fühlt – dem 83jährigen US-Amerikaner Duane Michals, Senior der experimentellen Fotografie.

Sich in diese Traditionslinien einordnend, bezeugt unser Fotograf aber auch, was einen guten Kunstschaffenden auszeichnet, wenn sich nämlich zu seiner Könnerschaft auch eine profunde Kennerschaft gesellt.

20.20.2016